Un momento dello spettacolo

© Fabrizio Sansoni - Teatro dell'Opera di Roma

L’iniziale confronto fra il bene e il male vede l’Angelo in scena come una rockstar non lontana dall’estetica di Lady Gaga mentre Lucifero, perse le ali che gli disegnano due cicatrici rosse sulle spalle, diviene una sorta di drag queen con tanto di boa di piume e abito luccicante. Dopo il funerale del piccolo la scena girevole, opera di Dirk Becker, ci trasporta negli ambienti asettici di un ospedale che, come in un flashback filmico, ci conduce nel cuore della tragedia. Il bambino muore nonostante gli sforzi dei medici per salvarlo, e da lì in poi tutto precipita. La madre, chiusa fra le pareti di un anonimo appartamento, non riesce più a ritrovare la propria quotidianità. Un tentativo di amplesso con il coniuge fallisce miseramente, mentre la mancanza di fede la porta al culmine della disperazione. La cifra complessiva, in particolare i costumi di Annette Braun, fa pensare al cinema barocco ed eccessivo di Baz Luhrmann, con i suoi pregi e i suoi difetti, evidenti nel proliferare di segni e simboli. Lo straziante addio al piccolo si concretizza negli oggetti, nei peluche riposti negli scatoloni, nelle candele rituali, nei crocifissi e nei libretti di preghiera nei quali la madre non trova alcun conforto. L’idea è quella di un’umanità priva di speranza, abbandonata in un universo vuoto: il silenzio di Dio di bergmaniana memoria. Nelle pieghe della narrazione cogliamo però anche un anelito trascendente, un barlume di speranza pur all’interno di una realtà agghiacciante.

L’impaginazione del narrato ci mostra i diversi quadri, come in una via crucis contemporanea, con tableaux vivants che si animano improvvisamente con notevole effetto drammatico. L’operazione convince in particolare nella prima parte mentre nella seconda, colma dei presagi della resurrezione, mostra più evidenti le sue incongruenze. Arie di gioia come Ho un non so che nel cor vengono declinate in maniera molto più incerta mentre uno dei vertici dell’oratorio, Per me già di morire, atto di fede verso il Redentore, diviene palcoscenico del suicidio. In linea generale tutto si tinge di oscurità, mentre l’idea della salvezza trova accenti ben più timidi. Detto ciò, siamo di fronte a un lavoro ben costruito e recitato in maniera eccellente, in alcuni suoi luoghi emotivamente toccante. Molto buona la parte musicale. George Petrou, alla guida dell’Orchestra Nazionale Barocca dei Conservatori, riesce a conciliare il rigore filologico con una lettura varia, pregna di pathos e di energia, sempre adeguata alla multiforme ispirazione haendeliana.

Nel cast spiccano le figure femminili: Sara Blanch interpreta l’Angelo con esuberante personalità, in particolare nelle ardue colorature; Teresa Iervolino è una Cleofe dal timbro smaltato e sempre tecnicamente impeccabile. Medesimo discorso per la Maddalena di Ana Maria Labin, convincente nel delineare il progressivo declinare della madre. Charles Workman ha un timbro un poco inaridito, ma siamo comunque di fronte a un notevole artista. Il suo San Giovanni appare misurato nel fraseggio e stilisticamente appropriato. Male, invece, Giorgio Caoduro nei panni di un Lucifero dall’emissione zoppicante e dagli acuti forzati. L’amplificazione, ben calibrata, non danneggiava l’ascolto come a volte avviene all’aperto. In definitiva uno spettacolo che ha il merito di far discutere, divisivo se pensiamo ai commenti dubbiosi di una parte del pubblico, comunque animato da un pensiero forte e da un’indubbia capacità di raccontare. Applausi da parte del pubblico, purtroppo non molto numeroso, in occasione della seconda recita.