AfterRite, creato per l’American Ballet Theatre nel 2018 e ripreso dal Royal Danish Ballet nel 2019, viene ora riproposto con l’étoile Alessandra Ferri, acclamata protagonista della messinscena americana, e il formidabile Corpo di Ballo scaligero. Il titolo rimarca – a detta di McGregor, che firma regia e coreografia – la distanza dall’archetipo di Vaclav Nijinskij del 1913 e da tutte le versioni che si sono succedute nel tempo. Nel titolo After sottolinea l’idea e la volontà di venire dopo il Rite, ovvero il sacrificio dell’Eletta de Le Sacre du printemps di Stravinskij, per raccontare la sua visione del mondo contemporaneo. Per questo l’ambientazione, influenzata da Silent Spring di Rachel Carson, un testo del 1962 sul disastroso impatto ambientale dei pesticidi, non è più quella primitiva e ancestrale di Nijinskij, legata a una Russia rurale tra natura naturans e natura naturata. Non viene neppure in primo piano la partecipazione della collettività al rito sacrificale della prescelta. 

Con McGregor la primavera non ha più ragione di essere. Siamo catapultati dalla scenografia di Vicki Mortimer, attraversata dalle proiezioni di Ravi Deepres e filtrata dalle luci basse di Lucy Carter, nell’arido e inospitale deserto di Atacama in Cile. Una zona da cui è possibile osservare le stelle ma anche il posto dove Pinochet faceva seppellire i prigionieri politici e le donne di Calama andavano a ricercare i cari resti. L’Atacama diventa così il simbolo dell’homo destruens che distrugge la natura e profana i più alti valori umani. In quest’ottica il sacrificio dell’Eletta viene visto da McGregor nella prospettiva straniata di una madre che è costretta a decidere quale delle due figlie salvare, nonché in quella alienata della comunità che assiste smarrita al dramma familiare.

In AfterRite lo straniamento è accentuato dalla presenza di una serra idroponica, posizionata sul lato sinistro della scena, che in mezzo alla vegetazione accoglie le due bambine, impersonate dalle allieve della Scuola di Ballo dell’Accademia Teatro alla Scala. Di primo acchito, la serra potrebbe rappresentare l’embrione di una nuova società ed essere il punto di partenza per la rivegetalizzazione dell’Atacama, ma poi questa scatola di vetro esploderà e sarà la tomba della ragazzina condannata dalla madre al brutale e inumano sacrificio. 

La coreografia di McGregor scorre per quadri giustapposti in cui i ballerini in body color carne non si muovono compatti come accadeva nel Sacre di Nijinskij, e i duetti e gli ensemble contemporanei lasciano spazio alla madre di Alessandra Ferri. È lei il pernio attorno a cui ruota questa pièce “fuori chiave”. Secondo McGregor, la donna rappresenta «un’Eva mitocondriale». La Ferri, che il coreografo fa danzare sulle punte insieme alle colleghe, prorompe con tutto il suo gigantesco portato artistico e la sua presenza lascia il segno come in Woolf Works, dove interpretava Virginia Woolf. 

La Madre di Alessandra è una figura di donna disperata che si dibatte nel dolore di una scelta disumana e ingiusta e restituisce in danza questa tragicità priva di riscatto. E se la coralità di AfterRite non risulta sempre incisiva, l’epilogo con il passo a due tra la madre e Nicola Del Freo, il membro del gruppo che non le lascia via d’uscita, resta impresso per il pathos e la fusione tra neoclassicismo espressivo e contemporaneità cinetica, in sintonia con la potente partitura stravinskijana. 

LORE, creazione nata per il Corpo di Ballo milanese, si ispira a Les noces che Bronislava Nijinska, sorella di Nijinskij, creò nel 1923 su musica di Stravinskij a dieci anni di distanza da Le Sacre del fratello. L’arco temporale che separa i due balletti fornisce a McGregor lo spunto per collegarli in modo inaspettato: la figlia che ha avuto salva la vita in AfterRite «è la stessa ragazza che appare dieci anni dopo in LORE».

In questa rivisitazione, che si avvale delle essenziali scene e dei semplici costumi di Vicki Mortimer e delle luci chiaroscurali di Jon Clark, torna prepotentemente il guizzo coreografico di McGregor, che non pone limiti all’uso regolare e irregolare del corpo per dare vita a uno stile “transcontemporaneo” inconfondibilmente suo. Notevole è il fluido avvicendarsi di duetti e scene corali, sorprendenti le multiformi prese e il ricercato lavoro di e in coppia, trascinante l’energia che muove e presiede il tutto in nome e per conto dell’Amore, anche questo, come del resto l’intero spettacolo, “fuori chiave”.