Non sono mancate le discussioni, preventive e concomitanti allo spettacolo. Inizio con le preventive. In origine la Scala aveva scritturato Cecilia Bartoli per tutte e tre le opere (con Semele al posto di Agrippina). Poi, adducendo il motivo dell'imminente addio di Alexander Pereira alla sovrintendenza del teatro milanese (in scadenza nel 2020), Bartoli ha cancellato la sua partecipazione. I biglietti per Giulio Cesare nel frattempo erano già stati messi in vendita, e questo ritiro ha da una parte generato la delusione dei suoi fans, scatenando dall'altra gli acerrimi nemici della diva, che notoriamente contano numerosi adepti tra i loggionisti scaligeri.

Si è comunque arrivati al debutto di Giulio Cesare, e le cose, per fortuna, sono andate bene. Con soddisfazione generale (e arrivo così alle polemiche concomitanti) mista però a un filo di (immancabile!) scontento. Sì, perché i sostenitori dell'opera “barocca”, pur felici per i tre titoli del repertorio prediletto, lamentano di essere tenuti a stecchetto, con una dieta dissociata che alla Scala da una decina d'anni si compone di solo Händel (Alcina nel 2009, Il trionfo del tempo e del disinganno nel 2015, Tamerlano nel 2017), con qualche “goccia” di Monteverdi (Orfeo del 2008, Il ritorno di Ulisse in patria del 2011 e L'incoronazione di Poppea del 2014). La consapevolezza di essere rientrati nel “grande giro” della lirica internazionale fa notare, in effetti, l'assenza dal teatro milanese di autori e opere che in altre piazze, europee ma non solo, si vedono con una certa frequenza, se non con regolarità. A quando, ci si domanda, un'opera di Vivaldi? o di Rameau? o, per osare l'inosabile, di Lully?

Sul versante femminile, ottima come sempre Sara Mingardo (Cornelia). Il volume è limitato, ma questo non impedisce all'artista di emergere come interprete sopraffina. Se, a causa del taglio di alcuni pezzi chiusi, lo spettacolo mette in luce solo il lato dolente del personaggio, Mingardo ci fa scoprire di quante luci, di quante ombre e di quanti colori questo dolore sia ricco. Resta poi la Cleopatra di Danielle de Niese. È un'attrice strepitosa, e il ruolo, con tutta la sua varietà di affetti e atteggiamenti, le sta a pennello, merito anche di una lunga frequentazione (iniziata nel 2005 a Glyndebourne, acclamatissima nello spettacolo di McVicar sopra ricordato). La musicista non è però costante: il fraseggio e il lavoro sul testo musicale sono spesso generici; la voce poi è ampia e corre bene nella sala del Piermarini, ma le estremità dei registri non sono curate come dovrebbero. Ma sono dettagli che non inficiano una prova teatrale eccellente: alla fine il pubblico, come Giulio Cesare nella finzione, ne è rimasto letteralmente soggiogato. Completano il cast Christian Senn (Achilla) che rende bene l'unica aria del personaggio, e l'ottimo Renato Dolcini (Curio), che non ha arie, ma si fa notare ugualmente per presenza vocale e scenica.

Non ha convinto del tutto la direzione di Giovanni Antonini. I tempi sono scelti con cura, ma i colori e i fraseggi sono generici, e l'intonazione dei fiati a volte problematica (anche tenendo conto dell'impossibilità per questi strumenti di suonare “pulito”, gli scrocchi dei corni naturali in «Va tacito e nascosto» erano troppi). Certo, è difficile giudicare la prova di un direttore alla testa di un ensemble come l'Orchestra del Teatro alla Scala su strumenti storici. Una produzione barocca ogni tanto è troppo poco perché la compagine riesca davvero a crescere e anche solo ad avvicinarsi agli standard di gruppi orchestrali analoghi che da decenni ormai anche in Italia hanno raggiunto livelli altissimi.