Su una trilogia tutta al femminile si articola la 55^a stagione degli spettacoli classici al Teatro Greco di Siracusa: Elena e Troiane di Euripide (in scena fino al 23 giugno) e Lisistrata di Aristofane (in programmazione dal 28 giugno al 6 luglio) sono i testi scelti per un ciclo, Donne e guerra, che vuole essere denuncia della follia della violenza bellica e al tempo stesso tributo al coraggio e alla resilienza femminile di fronte al dolore. Due tragedie e una commedia scritte in un breve arco di anni (Troiane è del 415 a.C., Elena del 412, Lisistrata del 411) da due autori letterariamente in contrasto, ma omologhi nel loro essere convintamente pacifisti.

Spiazzante per il pubblico ateniese del V secolo a.C., l’Elena è ancora oggi un’opera inafferrabile e sconcertante, per la singolare architettura drammaturgica che la caratterizza e che ne fa una tragedia anomala, percorsa com’è da intonazioni diverse e contrastanti che vanno dal drammatico al comico e anche al grottesco. Al centro della scena c’è un’eroina che tutti conoscono, o credono di conoscere: la più bella delle donne, sposa di Menelao, l’adultera che, fuggendo con Paride a Troia, ha scatenato una guerra distruttiva di una città e di un popolo. Ma Euripide ha in serbo una sorpresa per gli spettatori: Elena a Troia non è mai andata. Al suo posto la dea Hera ha mandato un eidolon, un fantasma fatto d’aria con la sua fisionomia. La vera Elena è in Egitto, e là da diciassette anni aspetta l’arrivo di Menelao, mantenendosi fedele al marito nonostante Teoclimeno, re di quel paese, voglia sposarla.

Traendo spunto da una versione del mito presente in Stesicoro, autore della Palinodia (frr. 192, 193 Page), e, in forma diversa e razionalistica, in Erodoto (II, 112-120), Euripide plasma l’immagine di una donna innocente, vittima di una doxa, una fama immeritata che l’angustia al punto da farle rinnegare e odiare la sua stessa bellezza, causa per lei di tanti mali. L’arrivo di Menelao, naufrago sulle spiagge egizie, le aprirà la via del ritorno a Sparta e la riabilitazione agli occhi del mondo.

A partire dalla drammatica situazione iniziale, con Elena supplice sulla tomba del defunto re Proteo per sfuggire alle profferte amorose del giovane sovrano Teoclimeno, fino all’avventuroso lieto fine, l’opera è un susseguirsi di colpi di scena e di improvvise virate da un’intonazione all’altra, che ne rendono problematica la rappresentazione. Il regista Davide Livermore ha saputo districarsi nel ginepraio drammaturgico dell’Elena, costruendo uno spettacolo per certi versi sovrabbondante, ma capace di veicolare lo spirito composito del testo, messo opportunamente in luce dalla traduzione di Walter Lapini.

L’ambientazione scenografica è ardita: un lago di acque scure ricopre l’orchestra e lo spazio scenico del Teatro Greco, creando una sorta di buia palude che impaccia i movimenti dei personaggi vincolando ciascuno al proprio destino. Semisommersa ai margini della scena, una nave da guerra arrugginita protende sull’acqua i suoi cannoni ormai in disarmo. Sullo sfondo, in alto, un ampio schermo rimanda immagini di mari tempestosi e di cieli nuvolosi e plumbei, illuminati da bagliori improvvisi e popolati di statuarie e inquietanti presenze. Il volto della stessa Elena, invecchiato e incorniciato da una bianca chioma, vi appare in contrasto con la luminosa presenza scenica della protagonista (Laura Marinoni) rivestita di un abito sfolgorante di paillette (i costumi sono di Gianluca Falaschi). L’azione scenica e le immagini video sono costantemente accompagnate da una musica potente, composta da Andrea Chenna, che nella sua scrittura originale innesta due brani della Valse di Ravel e del Fandango dal Quintetto n. 4 di Boccherini. Oltre alle armonie dell’arpa suonata dal vivo, al disegno musicale concorrono anche i suoni prodotti dal moto degli attori nell’acqua, grazie anche all’utilizzo di microfoni subacquei: una partitura variegata per assecondare gli sbalzi stilistici del testo.

Col volto coperto da un velo nero, Elena solca la scena seduta su una poltrona telecomandata a distanza, a tradurre visivamente la condizione dell’eroina vittima del volere degli dèi, arbitri capricciosi della sua esistenza. La circonda un Coro di giovani uomini che indossano lunghe gonne nere, con un’inversione di genere rispetto al testo praticata dal regista anche per la figura di Teucro (Viola Marietti), reduce dalla guerra di Troia, e più avanti per i due Messaggeri, affidati entrambi a giovani donne, Linda Gennari e Maria Chiara Centorami. Queste ultime, vestite come la protagonista, incarnano una sorta di doppio dilatando il tema del sosia su cui è costruito il testo euripideo, primo nel suo genere della tradizione teatrale dell’Occidente. E anche l’uso insistito degli specchi nei quali si riflette l’immagine della protagonista allude al contrasto tra doxa e aletheia, tra apparenza e verità, che innerva la tragedia.

© Maria Pia Ballarino

Dal momento del riconoscimento in poi, Livermore scatena la sua fantasia e colora in maniera decisa tutti i personaggi. Elena, giocando tra seduzione e astuzia, grazie alla sapienza attoriale di Laura Marinoni, che passa agevolmente dal tono tragico a quello comico, è smaccatamente “teatrale” nell’esprimere davanti a Teoclimeno il proprio dolore per la presunta morte di Menelao. L’Atride, incapace di formulare un piano di fuga credibile, dipende totalmente dalle trame strategiche della moglie. Quanto al re (Giancarlo Judica Cordiglia), appare nelle vesti di un damerino del ’700, lezioso e superficiale, facile preda del raggiro che si consuma alle sue spalle. Anche Teonoe indossa abiti e parrucca come una dama di corte: una scelta, questa del regista, che collide col ruolo chiave di profondo contenuto morale e filosofico affidato alla sacerdotessa da Euripide. Sebbene non si possa affermare che il poeta arrivi a contrapporre il libero arbitrio dell’uomo al capriccio dispotico degli dei fino a negare la legittimità di questi ultimi e a esaltare la forza preponderante della ragione individuale, le parole pronunciate da Teonoe hanno un peso intrinseco destinato a perdersi qualora esse siano affidate a una sorta di Marie-Antoinette che si esprime col canto della pur brava Simonetta Cartia.

L’apparizione sui generis dei Dioscuri, due aitanti giovani (Vladimir Randazzo e Marcello Gravina), i cui fisici scolpiti vengono esaltati da lunghi abiti bianchi scintillanti di lustrini, chiude la trama come nell’originale ma non segna la fine dello spettacolo, che in ultimo offre alla vista degli spettatori – non più nell’immagine video, ma in carne e ossa sulla scena – un’Elena ormai vecchia. È forse una suggestione arrivata al regista attraverso l’Elena di Ritsos, dove l’eroina mitica, giunta alla fine della propria esistenza, è l’incarnazione dell’inconsistenza della gloria, della bellezza, delle passioni, in una sconsolata rappresentazione della caducità della vita umana.