Bollono in pentola amori, rabbie e tanti sogni
Gianni Poli
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Data di pubblicazione su web 25/10/2016 |
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La riproposta odierna della
commedia di Arnold Wesker, creata
negli anni Sessanta del secolo scorso, appare interessante
per vari aspetti problematici e drammaturgici, che consentono di recuperare temi
allora urgenti e finora non esauriti. La temperie suscitata dagli autori inglesi
«arrabbiati» s’è infatti diluita negli anni: altri linguaggi, altre strutture
si sono succeduti sulle scene. Eppure la passione, talvolta ingenua, di quelle istanze
“nuove” fornisce occasione di impegno per le generazioni di interpreti recenti.
La compagnia del Teatro Stabile di Genova raduna ventiquattro attori, in parte
maturi, in parte esordienti, tutti provenienti dalla propria Scuola di recitazione.
Valerio Binasco fonda così la sua
regia su un gruppo formato all’occasione, ma versatile ed entusiasta nel
mettersi alla prova e realizza uno spettacolo corale, segnato da belle promesse
e conferme di personalità spiccate.
Il testo offre una struttura a
più livelli di dialogo e di funzioni comunicative, nell’incastro di storie
personali anche minime, unite dalla metafora latente per la quale il centro del
ristorante è un microcosmo che rimanda alla “vita” composita di un’intera società.
Echi di una scelta morale e civile dell’autore si colgono nell’analisi dei
rapporti interpersonali, determinati da condizioni comuni. Sono gli scambi di
lavoro e di classe a decidere i ruoli, le categorie del potere e della
subordinazione e Wesker li coglie nel mondo
proletario immerso in una realtà oppressa da regole simili a quelle della
fabbrica. Nei personaggi tratteggiati all’inizio si delinea la situazione nella
quale agiranno durante la loro faticosa giornata.
Una scena dello spettacolo
© Bepi Caroli
La visione è realistica e se pure
non appaiano vivande vere, la loro preparazione assume evidenza reale, nella
gestualità e nella pregnanza conferita all’azione. Diventano importanti sia la
tipizzazione dei personaggi, sia la loro resa attraverso una notevole
componente d’improvvisazione. Così cuochi e cameriere tendono a farsi «maschere»
aderenti al ruolo: addetti alle carni o al pesce; agli antipasti o al dolce. Forse
s’approssimano, senza emulazione cosciente, all’ipotesi di Commedia dell’Arte «moderna»
tentata da Ariane Mnouchkine in La cuisine nel 1967 e in L’Âge d’or nel 1975. In Italia,
memorabile l’adattamento di Lina
Wertmüller nel 1969, con una folta compagnia di giovani che sarebbero diventati
famosi.
Le etnie rappresentate
nell’organico culinario sono differenti e la regia le distingue attentamente. Rende
conto della partitura spezzata a strati sovrapposti di parola ed azione e ne
esalta la monotona ripetizione in singolari varianti nei frequenti duelli
verbali. A volte il caotico amalgama vocale tende a eccedere in volume. L’opera
è recitata in due parti con intervallo. Le vicende riconoscibili si abbozzano
soprattutto al momento del lavoro mattutino ed evolvono fino al pranzo. Allora
emergono le storie, come la relazione fra la capo cameriera Monique, una Elisabetta Mazzullo mirabile nell’incostanza
e nel tormento, e l’addetto al pesce Peter, un Aldo Ottobrino di esasperata e frustrata speranza.
Una scena dello spettacolo
© Bepi Caroli
Una scena dello spettacolo
© Bepi Caroli
I destini umani esemplari si rappresentano
senza caricatura, grazie a un’intensa adesione emotiva degli attori. Risaltano nei
particolari il disincanto del capo chef Leo (Emmanuele Aita); lo stoicismo di Alfredo, l’aiuto cuoco vittima
d’una bruciatura, recitato con autorevolezza da Nicola Pannelli; le scanzonate divagazioni ottimiste della ragazza-madre
di Elena Gigliotti; il genio di
Dimitri (Antonio Bannò) costruttore
di una radio che fa ballare i colleghi; l’improntitudine dell’apprendista resa
da Francesca Agostini. Del proprietario Marango, che ha l’opulenza volgare di Massimo Cagnina, si apprezza la
mitomania produttivista e la personificazione dell’interesse venale; del macellaio
Max, di Andrea Di Casa, l’intolleranza
dell’ebreo verso il “tedesco”; nel barbone di Franco Ravera, l’affettuosità. Traduzione squillante di timbri quotidiani
di Alessandra Serra, aggiornata
rispetto a quella di Betty Foà
(1965). La scenografia unica e fissa di Guido
Fiorato è uno stanzone a fornelli
centrali, invaso da tavoli e scaffali, vecchio e opprimente luogo di reclusione.
Musica e luce agiscono in sinergia, suscitando tensione, angoscia quasi, poi un
clima rasserenato. Intonate infine a una malinconica coscienza del passare del
tempo, dei contrasti da sanare, nel desiderio del dono di una pace auspicabile,
ma sempre, sempre rinviata.
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